Sœur Souris - Robin Des Bois - Disney

Quelle est la véritable histoire de Robin des bois ?
Justicier au grand coeur, dérobant la fortune des riches pour la donner aux pauvres, Robin des bois est l'un des personnages de fiction les plus célèbres. Mais cette figure légendaire née au Royaume-Uni est-elle inspiré d'un homme de chair et de sang ? Rien n'est moins sûr !

Le mythe de Robin des bois est si ancré dans notre imaginaire qu'il dépasse de très loin le conte populaire dont le célèbre hors la loi est le héros. Robin des bois est un symbole de résistance, de générosité, d'altruisme. Même s'il vole, ruse, ment, il se bat pour l'égalité entre les hommes dans une société très inégalitaire. Celle de l'Angleterre du Moyen Âge...et la nôtre, encore aujourd'hui.

Robin des bois a-t-il existé ?

Cette question n'a jamais été réellement tranchée par les historiens qui sont arrivés à la conclusion que Robin des bois était né de la fusion entre plusieurs personnages. Mais le brigand justicier détroussant les riches pour nourrir les pauvres tel que nous le connaissons dans la littérature et les films est très différent de la figure du hors-la-loi et du proscrit de l'Angleterre du Moyen Âge. Son nom anglais, Robin Hood, signifie "Robin la Capuche" et non, Robin des bois. La proximité des mots "hood" et "wood" a certainement conduit à cette confusion.

L'historien et archiviste Joseph Hunter a relevé la présence d'un certain Robyn Hode, valet de chambre du roi Edouard II qui décida en 1324 de quitter la cour pour aller vivre en forêt. Nous sommes bien loin ici du justicier mais cette mention évoquant un personnage pouvant être Robin des bois est ici a première.

Les historiens Graham Phillips et Martin Keatman, notamment auteurs d'un ouvrage sur le roi Arthur, ont quant à eux estimé que Robin des bois était un mélange de trois personnes : Robert Hood de Wakefield (qui pourrait être le même que celui de Joseph Hunter), Fulk FitzWarin l'un des opposants au roi Jean au début du XIIIe siècle et enfin un paysan proscrit de la forêt de Barnsdale.

Robin des bois aurait ainsi pu, non pas être le nom d'une personne, mais bien un surnom donné à des proscrits, des braconniers et des criminels dans l'Angleterre médiévale.

Robin des bois : un héros du folklore anglais

Les premières chansons populaires évoquant la figure de Robin des bois datent du XIIIe siècle. Mais il faut attendre le siècle suivant pour que les aventures du justicier soient consignées par écrit, notamment avec le poème de William Langland, Piers Plowman "Pierre le Laboureur. Des textes lacunaires qui nous sont parvenus et nous éclairent sur cette figure légendaire qui n'a cessé de gagner en popularité au fil des décennies, notamment grâce aux ballades populaires, l'équivalent de nos chansons de geste. Dans la balade Robin des bois et le moine, datant du XVe siècle, le célèbre hors la loi possède déjà les attributs que nous lui connaissons et on note notamment la présence auprès de lui de son ami Petit Jean. Mais le Robin d'alors, et cela durera encore pendant plusieurs dizaines d'années, est encore à la solde de la couronne britannique.


La Geste de Robin des Bois met également en scène le célèbre hors la loi en compilant plusieurs ballades et poèmes des siècles précédents. Robin y est un bandit au grand coeur maniant l'épieu, une lance typique du Moyen Âge, avec brio. Robin des bois devient dans les années qui suivent un personnage très apprécié du théâtre populaire britannique. C'est d'ailleurs à l'occasion des fêtes de printemps, notamment des "Jeux de Mai" où les aventures du bandit étaient jouées sur les planches, que la figure de lady Marianne va faire son apparition. Le roi Richard Coeur de Lion, autre personnage emblématique de l'histoire de Robin des bois, n'apparaît quant à lui qu'à partir de la fin du XVIe siècle lorsque le récité est déplacé au XIIe siècle.

Source: Géo

prinu a écrit:

Non, je n’ai jamais vu ce dessin animé.
—

Ça va te plaire chère Gargamelle :




https://m.youtube.com/@Lesmysterieusescitesdorytb

Je les ai vues quand j'étais plus jeune, mais je ne me souviens plus si ils trouvent ou pas les cités d'or.
Je me souviens qu'à la fin de l'épisode, ils présentent un moment historique ou culturel.

Robin des bois vole aux riches pour donner aux pauvres.
Est il une bonne personne ?

«  le Catéchisme de l'Eglise Catholique :
2408 Le septième commandement interdit le vol, c’est-à-dire l’usurpation du bien d’autrui contre la volonté raisonnable du propriétaire. Il n’y a pas de vol si le consentement peut être présumé ou si le refus est contraire à la raison et à la destination universelle des biens. C’est le cas de la nécessité urgente et évidente où le seul moyen de subvenir à des besoins immédiats et essentiels (nourriture, abri, vêtement ...) est de disposer et d’user des biens d’autrui (cf. GS 69, § 1).

Lire:

https://cite-catholique.org/viewtopic.php?t=26113:

Vive les méchants de Disney
https://www.20minutes.fr/arts-stars/culture/4057177-20231016-100-ans-disney-pourquoi-mechants-plus-interessants-heros

«C’est si bon d’être méchant », chantent-ils en chœur. « C’est si bien d’aimer les Villains », pourrait-on leur répondre en chanson. Eux, et elles, ce sont les Cruella, Scar, Maléfique, Jafar et autres Madame Mim, à savoir les méchantes et méchants de l’univers Disney. Alors que Disney Company fête ses 100 ans, on constate sans peine que Mickey et ses amis ont une sacrée concurrence du côté des « antagonistes », comme on dit si on est versé dans l’analyse littéraire, ou les « Villains » si on pratique l’anglicisme.
« Là, Halloween approche, donc nous les mettons beaucoup en avant, mais même à Noël ou le reste de l’année, les méchants sont hyper vendeurs, confirme José Madrigal, vendeur à la boutique Archi Chouette, à Lyon. Il y a les classiques peluches et jouets à l’effigie des vilains, mais on a aussi des jeux qui les mettent en scène, comme le Monopoly spécial Villains. Le meilleur exemple, c’est la gamme Villainous, un jeu de société à succès avec plein de suite et extensions où on incarne tous les méchants de Disney. Chaque personnage a une façon de jouer, et de gagner, et donc chaque joueur a son "vilain" fétiche. J’en vends très souvent… »
« Nos visiteurs sont très attachés à nos méchants, confirme Louisa Kriouche, show designer - on dit aussi metteuse en scène ou maîtresse de cérémonie-, à Disneyland Paris. Que ce soit dans les parades ou les meet & greet, où l’on peut se prendre en photo avec les personnages, le succès est là. Nous utilisons ces personnages pour créer une atmosphère différente. Ce n’est pas vraiment de la peur, ni du danger, mais plutôt de l’humour, de la malice… Le personnage de Loki, frère de Thor, est intéressant pour cela. Il est complexe et les visiteurs l’aiment pour ça, il n’est pas seulement méchant. »
Apprivoiser la Maléfique en nous

Le dieu de la malice de l’univers Marvel, également dans le giron Disney, est emblématique de ces personnages que le studio a choisi de développer. Loki a ainsi sa série à lui sur Disney+, tout comme Maléfique, la méchante sorcière de La Belle au bois dormant, a eu droit à son film en 2014. Plus récemment, en 2021, c’est Cruella, la méchante spéciste des 101 Dalmatiens qui voit son origin story (l’histoire de sa vie avant le film qui l’a rendu célèbre) racontée dans un film avec Emma Stone. La suite est en préparation… Et dans l’univers Star Wars, Disney a même consacré une série autour de Boba Fett, « méchant » adoré des fans, que l’on croyait mort…
Ces nombreux projets Disney autour des méchants démontrent que l’intérêt des fans est financièrement prometteur. Mais pourquoi allons-nous vers les méchants ? Pourquoi les enfants sont-ils fascinés par la Bête plutôt que la Belle ? Pourquoi Hadès a plus de fans qu’Hercule ? Pourquoi la fourberie de Hans fait plus battre nos cœurs que la Reine des neiges ?
Jafar, Scar et Ursula… Des personnages pour grandir

« Les antagonistes, dans les films et livres pour enfants, ont pour fonction de créer une tension dramatique, bien sûr mais surtout d’éclairer le méchant qui est en nous, expose Pierre Faucheux, psychologue pour enfants au CMP de Viroflay. Etre spectateur, effrayé mais fasciné, de méchancetés, de coups bas, de sadisme ou de cruauté, c’est une façon d’apprivoiser nos pulsions. Les enfants s’en servent pour mieux comprendre leurs émotions jugées négatives. Mais ces personnages, dont les plans sont voués à l’échec et tournés en dérision, permettent aussi aux enfants de se dédouaner, de se trouver des excuses… C’est très intéressant comme processus quand l’enfant décrit son méchant préféré comme une part de lui étrangère à lui-même… »
Mais les sombres abîmes de la psyché enfantine (excellente idée de déguisement d’Halloween d’ailleurs…) ne suffisent pas à expliquer le succès des méchants Disney. Laura, libraire à la Fnac et cosplayeuse amoureuse des sorcières Disney, a une explication toute simple : « Ce sont les meilleurs personnages ! Les méchants sont souvent mieux écrits, soit plus marrants soit plus intelligents que les héros. Ils ont des motivations, un passé, un objectif… Bref, tout ce qui fait qu’on s’identifie à un personnage. Les gentils sont souvent plus fades. Et même avec les dessins, les héros sont faits pour être représentatifs du plus grand nombre. Sans excentricité ni particularité franche. Alors que les méchants ont des traits distinctifs, des silhouettes ou des profils exagérés, marquants… »
Dans une galaxie proche, très proche

Dans le monde post-moderne de surexploitation des franchises culturelles, Disney a bien compris qu’il y avait là un joli coup à jouer, notamment pour conserver l’intérêt des fans vieillissants… « Il n’y a pas que les enfants qui aiment les méchants, explique Lionel Mallet, professeur d’économie des médias et fan des films Disney des années 1990. Créer une suite à un film culte autour d’un méchant permet de ramener à l’univers Disney les adultes et les vieux fans. Mais créer une fiction autour d’un personnage perçu comme méchant, même avec de l’humour ou une approche psychologisante - où l’on va expliquer comme le méchant l’est devenu-, c’est anxiogène. Le monde des méchants est un monde plus sombre, où il y a moins de certitudes. C’est pour cela que Disney cherche depuis plus de dix ans à créer et étendre un univers connu et rassurant, grâce à l’acquisition d’autres franchises comme Pixar, Marvel ou Star Wars. »
Avec ces acquisitions, Disney a encore étendu, presque à l’infini, son catalogue de méchants emblématiques. On n’a pas fini d’aimer être vilains. »

T Shirt de militants protestants contre la modification de Splash Mountain ( basé sur Melodie du Sud) il y en a de nombreuses variantes.
« ils ont retiré mon coin de paradis » ( coin de bonheur)


«  protégez ma bruyére » ( éléments de nature végétale de l’attraction)



Pétitions


La lutte était tres forte, et la television américaine montrait des protestations de républicains pour sommer Disney de renoncer.
La propagande démocrate et BLM sur CNN et le Washington Post l’a emporté, la direction de Disney étant majoritairement démocrate.

Ce qui parait anodin ou infantile, est politiquement trés sérieux et représentatif de la rupture entre les citoyens américains.

La grande époque de Disney c'est jusque dans les années 70-80 et les grands classiques immortels.
Robin des bois est un des meilleurs, mais Le livre de la jungle aussi, Bambi etc ..
Blanche neige est un des premiers. https://fr.wikipedia.org/wiki/Blanche-Neige_et_les_Sept_Nains
Des générations entières ont grandi sous l'influence de Disney, toutes catégories sociales confondues, et fait l'universalité de Disney.

- Le Wokisme chez Disney
- la representivité LGBT affichée dans les parcs pour enfants:
- Manifestation d’employés Disney:
- La magie disparaît- elle chez Disney ?
https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=HZvh__wMJoU

Spoiler:

En Angleterre, Le film Mary Poppins est classé désormais Adulte
PG- pour l’utilisation du mot Hottentot dans un dialogue.

https://www.dhnet.be/medias/television/2024/02/28/la-cancel-culture-a-encore-frappe-le-classique-de-disney-mary-poppins-nest-plus-conseille-a-tous-les-enfants-QHMUQ5X6VRHMTFNRRSRVY5W5WY/

Présentation de court-métrage Disney destiné aux adultes

Stop That Tank !
The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I)

Il est disponible dans la compilation en DVD, ( USA):
Walt Disney Treasures - Walt Disney sur les lignes de front, édité en 2004.
Date de sortie USA: 1942.

Réalisation : Ub Iwerks
Commanditaire : National Film Board of Canada
Musique :Frank Churchill et Paul J. Smith
Durée :21 minutes



Stop That Tank ! - The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I) est un cartoon deux en un : Stop That Tank !, un court-métrage de propagande caricatural et burlesque de trois minutes, et The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I), une production éducative de dix-huit minutes.




Synopsis :

Après un court passage caricatural, nous voyons une présentation des caractéristiques et de l'utilisation du fusil anti-char Boys MK.I.


Après avoir été convaincu par le court-métrage éducatif Four Methods of Flush Riveting, le National Film Board of Canada commande un autre court-métrage éducatif d'entrainement afin de former les soldats canadiens au maniement du fusil anti-char Boys MK.I. Si la grande majorité du film est éducative, sans quasiment aucune note de divertissement, le début du cartoon est lui totalement animé dans la veine des futures productions de propagande que feront les studios, notamment ceux dénonçant le régime nazi, que ce soit Der Fuehrer's Face ou Education for Death, tous deux sortis en 1943. Le court-métrage Stop That Tank ! - The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I) est ainsi réalisé par Ub Iwerks, le fameux créateur du personnage de Mickey Mouse, revenu aux studios Disney en 1940 après l'échec de son studio personnel. Principalement chargé désormais des effets visuels des films du studios, ce projet à la fois technique et éducatif convient à merveille à ses nouvelles compétences. Pour l'animation, il est aidé par deux grands noms du studio : Fred Moore et Ward Kimball.

Stop That Tank ! commence d'abord par faire un éloge écrit au fameux fusil anti-char MK.I. Le spectateur voit ensuite une armada de chars allemands nazis, dirigée par Adolf Hitler lui-même. S'approchant d'un village, le führer veut profiter du sommeil de ses ennemis pour frapper par surprise. Il est alors intéressant de noter comment le dirigeant nazi est totalement décrédibilisé dans ses gestes via une animation exagérée ridicule où il peut être vu faire des rots, tirer la langue ou renifler bruyamment en se raclant la gorge. Mais tandis que les chars allemands avancent, des soldats canadiens camouflés, équipés du fusil Boys MK.I, commencent à émerger de diverses positions secrètes pour arrêter leur avancée, les frappant à plusieurs reprises avec des balles précises. Le char d'Hitler reçoit d'ailleurs un coup direct des tirs des troupes canadiennes au point de le faire dégringoler directement en enfer. Devant un énorme diable rouge au visage rond, Hitler commence alors à piquer une crise d'hystérie sur le sol à cause de sa défaite. Le Diable brisant le quatrième mur traduit aux spectateurs ce que dit Hitler : que ce qu'il lui arrive est injuste, qu'il est un opprimé mal compris et que contre le fusil antichar, il ne pouvait pas gagner. Mais sa colère devient de plus en plus forte et irrationnelle, ce qui énerve le diable qui ne s'entend plus parler. Il fait alors taire Hitler en l'assommant avec un maillet dans un dernier geste pour rendre le dirigeant allemand définitivement pathétique.



La deuxième partie du film est composée du court-métrage The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I). Il décrit en détail, via la narration de Peter Carter Page, un animateur des studios Disney, le fusil anti-char à travers des séquences d'action animées et de prises de vues réelles. À l’aide de vues schématiques très détaillées, la conception du fusil est analysée. Une démonstration de l'utilisation de l'arme souligne la nécessité de viser et de « diriger » avec précision une cible en mouvement, de localiser les zones faibles des véhicules blindés et de tirer efficacement à courte portée. Cette démonstration est faite en animation via des scènes de chars en mouvements mais aussi grâce à des schémas techniques montrant les effets de la pénétration des balles en fonction de leur angle de tir. Un vrai soldat canadien, joué ici par Peter Carter Page lui-même, montre alors en prises de vues réelles le chargement, le tir, le rechargement, le démontage de l'arme, le nettoyage et l'entretien. Ces images ajoutent un air d'authenticité en raison de leur réalisme photographique.

The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I) est largement éducatif et sérieux. Néanmoins, le court-métrage est entrecoupé de quelques moments comiques afin d'alléger la présentation. La première scène amusante se déroule ainsi lorsqu'un soldat canadien, de petite taille et avec de grande oreilles, dans un design qui ressemble au futur personnage Private Snafu que va produire Warner Bros. pour l'US Army, tente de soulever un fusil. Malheureusement, le petit bonhomme n'est pas assez costaud et l'arme lui tombe sur la tête et lui coince le cou. Ensuite, un tir mal évalué du fusil MK.I touche l'arrière d'un taureau dans un champ voisin. L'animal saute avec colère dans un étang pour éteindre son arrière-train en feu tout en brisant le quatrième mur et demandant au soldat pourquoi il a mal visé. Une troisième scène se déroule lorsque le même soldat maladroit sous-estime la force du ressort interne lorsqu'il démonte l'arme et qu'il rebondit comiquement hors du chargeur sur son visage. Enfin, à la toute fin, lorsque le narrateur cite le proverbe militaire « un fusil est comme une femme, traitez-la bien et elle ne vous laissera jamais tomber », une séquence montre le petit soldat se blottir dans son lit avec son fusil MK.I et l'embrasser.





Stop That Tank ! - The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I) satisfait le gouvernement canadien, qui trouve que le court-métrage est exactement ce qu'il attend. Pourtant, après l'évacuation de Dunkerque en 1940, le fusil anti-char MK.I a gagné la réputation de porter malheur ; les soldats anglais comme canadien trouvent en effet que l'arme est particulièrement inefficace face au blindage allemand. Bien que le fusil ait déjà une limite tactique sur le champ de bataille, les artistes Disney arrivent parfaitement à expliquer son fonctionnement, ses limites et la façon la plus efficace d'utiliser ses atouts malgré son obsolescence manifeste. Le court-métrage est ainsi un formidable outil d'apprentissage et se voit utilisé intensément par le gouvernement canadien jusqu'à ce que le fusil anti-char MK.I soit remplacé par le PIAT (Projector Infantry Anti Tank) en 1943.





Stop That Tank ! - The Anti-Tank Rifle (Boys MK.I) a plus un intérêt historique qu'artistique ou de divertissement. Il marque en effet deux premières pour les studios Disney. Il s'agit à la fois du premier court-métrage d'entraînement militaire et du premier cartoon caricaturant le régime nazi de façon frontale et notable.

Sources Archives Disney chroniques

En 1940, les studios Disney sortent en salle leur deuxième long-métrage animé, Pinocchio. Adapté de l’œuvre de Carlo Collodi, le long-métrage est alors une véritable prouesse artistique et technologique. Racontant la célèbre histoire du pantin de bois souhaitant devenir un vrai petit garçon, c’est par ailleurs certainement l’un des films les plus palpitants et les plus terrifiants de la filmographie de Walt Disney avec des passages parfois effrayants comme celui mettant en scène le petit Alexandre et les enfants transformés en ânes.





Alexandre et les ânes apparaissent principalement dans une seule et unique séquence de Pinocchio. Après une nuit abrutissante durant laquelle les enfants ont pu s’amuser et saccager à leur guise, le calme est enfin revenu sur l’Île enchantée. Fou de rage en découvrant le comportement pitoyable adopté par Pinocchio qui a naïvement suivi Crapule dans ses bêtises, Jiminy Cricket décide de tourner les talons et d’abandonner le petit pantin de bois à son triste sort.

Alors qu’il traverse l’allée principale de l’Île jonchée de débris tout genre, le grillon est soudain distrait par des braiments qui résonnent au loin. Intrigué, Jiminy se glisse sous une porte et découvre des dizaines d’ânes enfermés dans des cages. L’atmosphère est lugubre. En pleurs, certains baudets semblent appeler à l’aide. « Tous ces ânes… D’où peuvent-ils venir ? », s’interroge Jiminy.


Pendant que certaines caisses sont chargées à bord d’un navire, le Cocher s’assure que chaque âne est bien apte à être réduit au travail forcé. Épaulé par ses sinistres hommes de main, il vérifie un à un chaque animal. « Et toi, comment est-ce que tu t’appelles ? », demande-t-il à l’un des ânes qui se met à braire. « Bon ! Il est à point », s’exclame le Cocher tout en arrachant ses vêtements à la petite bourrique, « Embarquez-le pour les mines de sel ! ».

Ni une, ni deux, le Cocher retente l’expérience avec un autre âne vêtu d’un costume de marin. « Et toi, mon mignon ? Comment tu t’appelles ? ». Terrifié, l’ânon se recroqueville… « Alexandre… », répond-il d’une voix frêle. Le Cocher s’aperçoit que le petit sait encore parler. « Oui… Oui, m’sieur », gémit l’âne, « Laissez-moi retourner chez ma maman… ».

Terrifié, le pauvre Alexandre est saisi aux oreilles par le Cocher qui l’expédie sans ménagement dans un enclos où sont enfermés d’autres ânes qui savent encore parler. « Pitié ! Pitié ! », hurle le petit, « J’veux rentrer ! J’veux pas être un âne ! ». Claquant bruyamment son fouet, le Cocher exige du calme. « Silence ! », ordonne-t-il, « Vous avez pris du bon temps, sales mioches ! Il faut payer maintenant ! ». En l’entendant prononcer ces mots, Jiminy comprend instantanément que les enfants conduits sur l’Île ont été piégés. Prenant ses jambes à son cou, il se rue alors pour retrouver Pinocchio, abandonnant là les autres petits, dont Alexandre, qui sortent ainsi de l’intrigue…

Fort du succès retentissant de Blanche Neige et les Sept Nains, Walt Disney n’attend pas pour transformer l’essai. Avant même la sortie de son premier long-métrage animé, ses équipes planchent déjà sur d’autres sujets. Alice au Pays des Merveilles ou Peter Pan sont ainsi mis en chantier, tout comme Les Aventures de Pinocchio d'après le classique de la littérature italienne signé par le journaliste Carlo Collodi en 1881.

L’épisode des ânes se situe dans les chapitres 31, 32 et 33 de l’œuvre de Collodi. Après avoir une énième fois désobéi, Pinocchio est emmené jusqu’au Pays des Jouets par un mystérieux cocher tenant les rênes d’une charrette tirée par douze paires d’ânes chaussés de bottes de cuir blanc. Faute de place à bord du véhicule, le petit pantin accepte de grimper sur le dos de l’une des bourriques. Celle-ci tente cependant de le dissuader de venir en lui flanquant un coup de museau dans l’estomac. Agacé, le cocher s’approche alors de l’âne et lui mort l’oreille si fort qu’il lui en arrache la moitié. À la deuxième tentative, Pinocchio est cette fois désarçonné par la monture qui tente, tant bien que mal, de lui faire comprendre que tout ceci est un piège, en vain.


Arrivé au Pays des Jouets, Pinocchio et son nouveau copain La Mèche s’amusent follement. Durant cinq mois, leur vie se résume à jouer sans modération. Un matin, une mauvaise surprise se présente toutefois. Le pantin se réveille avec des oreilles d’âne. Effrayé, il se lamente auprès d’une petite marmotte qui l’informe que d’ici quelques heures, il se transformera entièrement en baudet comme son ami La Mèche et, sans doute, tous les autres enfants du Pays. Heureux de voir que son plan s’est déroulé comme prévu, le Cocher ressurgit pour vendre les animaux. La Mèche est cédé à un paysan. Pinocchio est pour sa part acquis par le directeur d’un cirque. Grâce à ses sombres manigances orchestrées depuis des années, le Cocher est ainsi devenu millionnaire…

Lorsqu’ils se lancent dans l’écriture de Pinocchio, les auteurs de Disney décident rapidement de modifier l’histoire originale de Carlo Collodi, jugée très dense. Elle doit donc de fait être concentrée afin de s’adapter au format d’un long-métrage de cinéma. Plusieurs personnages sont ainsi supprimés tels que les assassins, les trois médecins, les lapins, le serpent vert, le paysan et son chien de garde, les fouines voleuses ou bien encore les gendarmes et le directeur de cirque. D’autres sont modifiés, comme le Père La Cerise et Mangefeu qui donnent naissance à Geppetto et Stromboli, et Jiminy Cricket qui, dans le livre, finit écrasé sur un mur dès le chapitre 4.



Leur casting considérablement réduit, les scénaristes se focalisent sur quelques scènes en particulier : la fabrication de Pinocchio, la rencontre avec le Renard et le Chat, le spectacle de Stromboli, le passage dans le ventre de la baleine et le séjour au Pays des Jouets. Pour ce dernier épisode, le lieu change de nom et devient l’Île enchantée. La chronologie des événements est par ailleurs considérablement raccourcie, passant de cinq mois à seulement quelques heures. Pour rendre l’instant plus anxiogène auprès des spectateurs, la transformation de Pinocchio est davantage mise en valeur tout comme celle de Crapule, plus effrayante encore.



Le personnage d’Alexandre est lui-même ajouté dans l’histoire. Avant d’être un âne, il était un simple petit garçon. Fugueur, il s’est laissé embobiner par le Cocher. Comme les autres enfants, il a ainsi cédé au chant des sirènes sans imaginer une seule seconde les conséquences de ses actes. C’est ainsi un enfant terrifié que le public retrouve dans la seule et unique scène. Alexandre a presque achevé sa transformation en âne. Il ne lui reste plus que le don de la parole pour attester qu’il était jadis un être humain. Balancé dans un enclos au milieu d’autres ânes pouvant encore parler, chacun peut sans mal imaginer que dès la mutation achevée, il sera comme les autres réduit en esclavage.

Très dure, la scène d’Alexandre est certainement l’une des plus éprouvantes de Pinocchio. Si d’autres moments sont eux-mêmes terribles, notamment la course-poursuite avec Monstro, celle-ci revêt un caractère somme toute particulier. La victime du Cocher est ici un enfant sans défense. Son petit costume de marin laisse entendre qu’il ne doit peut-être pas avoir plus de cinq ou six ans. Durant les quelques secondes où il apparaît, le personnage tremble de tous ses membres avant de se mettre à pleurer. La prononciation de son prénom, « Alexandre », est certainement l’une des répliques les plus glaçantes du film et de tout le cinéma d’animation en général.


Concept Art

Extrait de storyboard
L’animation d’Alexandre est confiée à Eric Larson. Membre du groupe des Neuf Vieux Messieurs, l’artiste est originaire de Cleveland où il voit le jour le 3 septembre 1905. Apprenant le dessin dès l’adolescence, il débute sa carrière en tant que rédacteur du journal de la fac puis comme graveur et enfin comme scénariste pour la radio. Grâce à l’entremise de Richard Creedon, il est engagé chez Disney le 1er juin 1933. C’est alors le début d’une carrière longue de plus de cinquante ans. Montant les échelons, Larson œuvre ainsi sur des dizaines de cartoons avant de collaborer à la production de Blanche Neige et les Sept Nains. En charge des animaux de la forêt, il enchaîne ensuite avec Pinocchio, Fantasia, Bambi, La Boîte à Musique et Mélodie du Sud. Créateur de Figaro, des chevaux ailés, des centaures, de Monsieur Hibou, de Sacha ou bien encore de Frère Lapin, il donne par ailleurs vie à Cendrillon, à la Chenille et à Peg. Remplacé par Clyde Geronimi à la direction de La Belle au Bois Dormant, Eric Larson travaille sur Les 101 Dalmatiens, Merlin l’Enchanteur, Mary Poppins, Le Livre de la Jungle, Les Aristochats, L’Apprentie Sorcière, Robin des Bois et Les Aventures de Winnie l’Ourson. Dernier vétéran encore en poste dans les années 1980, il forme la nouvelle génération avant de se retirer le 28 février 1986. Eric Larson disparaît le 25 octobre 1988.

En version originale, Alexandre est interprété par Dickie Jones. De son vrai nom Richard Percy Jones, il voit le jour le 25 février 1927 à Snyder, au Texas. Enfant star, il débute dès l’âge de quatre ans dans divers numéros de rodéo et de lasso. Membre de la troupe d’Hoot Gibson, il apparaît bientôt dans des films comme Wonder Bar, Little Men, Strange Wives, The Pecos Kid, Moonlight on the Prairie, Daniel Boone, A Man to Remember et The Kid Comes Back. Surtout abonné aux westerns, il est engagé par Walt Disney pour vocaliser Pinocchio. Prêtant au passage sa voix à Alexandre, Dickie Jones rallonge ensuite sa filmographie avec Au Service de la Loi, Vers sa Destinée, Monsieur Smith au Sénat, La Caravane Héroïque et Les Aventures de Mark Twain. Présent à la radio, il se produit aussi à la télévision, notamment dans le rôle principal de la série Buffalo Bill, Jr.. Voyant sa carrière décliner dans les années 1960, il change de métier et devient agent immobilier. Honoré d’une étoile sur le Hollywood Walk of Fame et d’un Disney Legends Award en 2000, Dickie Jones s’éteint le 7 juillet 2014 à l’âge de quatre-vingt-sept ans.

Les effets sonores et les braiments des ânes sont pour leur part réalisés par Clarence Nash et Mel Blanc. Né le 7 décembre 1904 à Watonga, en Oklahoma, Clarence « Ducky » Nash est interprète de Donald depuis sa première apparitions en 1934 jusqu’au (Le) Noël de Mickey en 1983. Remplacé ensuite par Tony Anselmo, il disparaît le 20 février 1985 à l’âge de quatre-vingts ans. Un Disney Legends Award couronne sa carrière. Mel Blanc est une autre légende du doublage aux États-Unis. Né le 30 mai 1908 à San Francisco, en Californie, il a en effet prêté sa voix à de très nombreux personnages de Tex Avery et de Warner Bros., tels que Bugs Bunny, Porky Pig, Daffy Duck, Sam le Pirate, Pépé le Putois, Sylvestre le chat, Titi, Charlie le coq ou bien encore Woody Woodpecker et Speedy Gonzales. Interprète de Barney dans Les Pierrafeu et de Cosmo G. Espacito dans Les Jetson, il meurt le 10 juillet 1989 à l’âge de quatre-vingt-un ans.

Le doute plane quant à l’interprète d’Alexandre au moment de la première sortie de Pinocchio en France en 1946. Le nom de Linette Lemercier est cité par certains experts, en particulier ceux du site Dans l’Ombre des Studios. Née à Paris le 24 décembre 1930, la comédienne apparaît dans quelques films comme Raboliot ainsi qu’à la télévision dans Au Théâtre Ce Soir. Très présente sur scène, elle participe en outre à de nombreux doublages, donnant sa voix au Loir dans Alice au Pays des Merveilles, à Maïta dans Tintin et le Temple du Soleil, à Rusty dans Rintintin et à Oscar, Pépita et Caramelle dans Bonne Nuit les Petits.

Dans le doublage français de 1975, le rôle d’Alexandre est cette fois confié à Bernadette Lompret. Apparue dans des films comme Les Onze Mille Verges, La Grande Récré et Aloïse, la comédienne se charge également des parties chantées par Pinocchio.

Bien que n’apparaissant que quelques secondes dans Pinocchio, Alexandre et les autres enfants changés en ânes sont des personnages marquants au cœur de l’une des scènes les plus cruelles et traumatisantes de tout le cinéma d’animation.




Source Archives Disney chronique